Hotel California: Interpretación del disco

Cualquiera que se haya interesado un poco por la historia tras la canción y la interpretación de este disco sabe que tiene multitud de interpretaciones —algunas sin sentido ninguno.

Yo después de oír al propio Don Henley hablar sobre ello, lo tengo claro: el disco no va ni sobre las drogas ni sobre una secta satánica.

El mismo dijo que tanto el disco como la canción es un viaje de la inocencia a la experiencia, una metáfora de la delgada línea que hay entre el sueño americano y la pesadilla americana.

Por otra parte, Glenn Frey ya advirtió que muchas partes de la letra son cosas suyas, que solo ellos entenderán.

Y la verdad que si —con esta idea en la cabeza— nos fijamos una por una en la letra de cada canción, yo veo dibujada —cantada en este caso— la historia de un joven músico que llega a California convencido y ansioso por cumplir su sueño; y sus vivencias, evolución y madurez a partir de esto, culminando con la última canción donde se cierra el círculo abierto con la primera y famosísima canción del disco.

Pero antes de comenzar este análisis, vamos con la historia del disco.

¿Cómo surge la idea de Hotel California?

El principal culpable es Don Felder. Verano del 73, y Felder empezó a grabar una maqueta, con base reggae, en su a casa alquilada de Malibú.

En cuanto la tuvo envío la cinta al otro Don y a Glenn, que le pusieron el título Mexican Reggae —aún sin letra. Y este estuvo a punto de ser el título del disco, pero ya sabemos que no fue así.

A partir de esta base, Don Henley y Glenn Frey compusieron la letra, inspirándose en la serie de ciencia-ficción The Twilight Zone.

Una vez escrita la letra de la primera canción, Hotel California, empezaron a escribir el resto de las canciones de este concept-album.

Un concept-album sobre la vida de excesos y lujos en Los Ángeles y sobre cómo, en los 70, las discográficas se aprovechaban de la ilusión de los aspirantes a conseguir sus sueños.

La portada del disco son las palmeras del Beverly Hills Hotel.

Interpretación de las canciones del disco

Retomo la idea de la introducción con las propias palabras de Don Henley:

Es básicamente una canción sobre el lado oscuro del sueño americano, sobre los excesos en América, que es algo de lo que sabíamos mucho. Todos éramos chicos de clase media del Midwest americano. Hotel California fue nuestra interpretación de la vida de clase alta en L.Á.

Y con esta idea en la cabeza he ido fijándome en el título de las canciones del disco, y luego escuchando la letra para ver si encajaba con la interpretación de arriba —y con la relación entre discográficas y músicos en los 70. Estas son las conclusiones que he sacado:

He dividido las canciones en ese viaje de la inocencia a la experiencia del que habla Don, creando una categoría más para la última.

Tres primeras canciones: Inocencia

Hotel California, New kid in town y Life in the fast line. Estas tres reflejan la ilusión y la emoción de alguien que ha conseguido lo que quería, excesos incluidos en la última. Pero voy a ir una por una dando pinceladas:

Hotel California: Básicamente vender tu alma al diablo —y no tiene nada que ver con ninguna secta— por conseguir tu sueño. Se explica mucho más en detalle en el podcast de Rock & Words de esta canción.

New kid in town: La que me ha resultado más original dentro de esta parte, ya que interpreto que hay tres protagonistas en esta canción. El primero sería el aspirante a artista, el nuevo capricho de la discográfica, the new kid in town; el segundo la propia discográfica y el tercero el artista anterior al que la discográfica da de lado.

De hecho, si nos fijamos bien en la letra ya hay un deje de tristeza en la parte del viejo artistas:

There’s talk on the street
It’s there to remind you
It doesn’t really matter which side you’re on
You’re walking away
And they’re talking behind you
They will never forget you ‘til somebody new comes along

Y también tenemos una pincelada de sinceridad por parte de la discográfica:

You look in her eyes
The music begins to play
Hopeless romantics, here we go again
But after awhile
You’re lookin’ the other way
It’s those restless hearts that never mend

Life in the fast lane: Esta es mucho más simple que la anterior. Habla de los excesos de una vida de clase alta en L.Á., que podría ser tanto la del artista en solitario como la de la que vive junto a la discográfica. Es muy curioso cómo surge la idea de esta canción, se cuenta en el podcast también.

Tres siguientes canciones: Desengaño y dudas

Wasted time (con letra e instrumental) y Victim of love. Aquí ya no hay ilusión; hay decepción, frustración y dudas.

Wasted time: La vida de éxito de cantante en L.Á., que hace bastante imposible tener una relación seria/guardarle fidelidad a la pareja. En esta canción el protagonista se pregunta si todo esto —su vida/el éxito— no habrá sido una pérdida de tiempo, que le ha impedido estar a la altura del compromiso con esa persona especial. Es un dilema entre el compromiso de su vida como artista y el de su vida como pareja.

Victim of love: El protagonista del disco —el aspirante a artista— es una víctima de su amor por la música. Se da cuenta de que la discográfica se ha aprovechado de ese amor, y de que eso es lo que le ha llevado hasta aquí. En Live in the fast line la discográfica parecía su mejor amigo, ahora se da cuenta de lo que realmente es. Se produce una ruptura o desengaño con su compañera de viaje.

Tres últimas canciones: Madurez y revelación

Pretty maids all in a row, Try and love again y The last resort. Vemos como el protagonista ha digerido sus sentimientos de decepción —quizá hasta hayan pasado unos años. Sienta cabeza, ha madurado.

Pretty maids all in a row: Redención. Pasa página de sus sentimientos con la discográfica y le desea lo mejor, a pesar de todo.

Try and love again: Con este nuevo estado mental, decide darle una segunda oportunidad a su vida sentimental. Retoma el reto del compromiso que no fue capaz de cumplir en Wasted Time.

The last resort: La he incluido en madurez, pero la dejaría en una categoría aparte llamada «Revelación». Parece que describe a una chica —que incluso podría ser la pareja seria del protagonista— que se dirige con la misma ilusión a California que él en la primera canción. Se cierra el círculo —vicioso— del supuesto paraíso del sueño americano. La penúltima estrofa incluso se podría extrapolar a la humanidad en general.

We satisfy our endless needs
And justify our bloody deeds
In the name of destiny
And in the name of God

Que traducida sería:

Satisfacemos nuestra necesidad insaciable

Y justificamos nuestras crueles acciones

En el nombre del destino

Y en el nombre de Dios

¿No se puede extrapolar esta idea más allá del contexto del disco? ¿No es aplicable a cualquier momento de la historia de la humanidad?

Por eso me parece sublime que el disco termine así.

Eagles: De la cima a la ruptura

Quinto disco: Hotel California, 1976

Llegamos al disco de mayor éxito de la banda, además del más vendido en todo el siglo pasado.

Un concept-album sobre la relación en la California de los 70 entre los artistas y las discográficas, según la propia banda.

Todo empieza, como estaréis imaginando, con la primera canción del disco, Hotel California.

Don Felder se encontraba en su casa de Malibú y empezó a grabar en una cinta de casete la introducción, repitiéndola varias veces.

Estas cintas con base instrumental se las pasaba normalmente a Henley y Frey para darles ideas de canciones. A partir de ahí, Don y Glenn le pusieron la letra, inspirándose en la serie de ciencia-ficción The Twilight Zone.

El resto de las canciones se escribieron en torno a esta idea y a las propias vivencias de los miembros de la banda en LA, como ocurre con Live in the fast lane, que está inspirada en un trayecto en coche de Glenn con un traficante de drogas.

Iban a toda pastilla y Glenn le dijo: «Tío, ¿qué haces?»

Live in the fast lane —le dijo el tipo.

Glenn retuvo esta idea durante meses, hasta que finalmente un riff de Joe Walsh fue el punto culminante para poder escribir la canción.

Otra canción con historia —aunque todas la tienen—, y que empieza a hacer visibles las rencillas entre los miembros es Victim of Love.

Don Felder quería cantar, y se empeñó escribiendo una canción para él mismo —un tema en el que no daba la talla como cantante, según la opinión de Henley y de todo el grupo.

Así que al final decidieron que esta canción la cantase Henley… y Felder se sintió como si le hubiesen robado algo.

Pero es que hasta el propio Glenn reconoció que él ya llevaba tiempo echándose a un lado porque para cantar ya tenían a Don Henley.

Esta tensión que empezó a ser habitual en sus ensayos era —según Joe Walsh— una tensión creativa: buena para su música y sus canciones, pero no tan buena para la cohesión del grupo.

Irónicamente, este disco fue el principio del fin para los Eagles.

Gira y salida de Randy Meisner

Entre este disco y el siguiente se fueron de gira., y es aquí donde se producen los hechos que llevan a la salida de Randy Meisner del grupo.

Y todo por una canción que el mismo escribió, Take it to the limit.

Estaba cansado de cantar esa canción y llegó un momento en el que le dijo a sus compañeros que ya no la cantaría más.

Glenn intentó hacerle entrar en razón argumentando que él, por ejemplo, tampoco le hacía gracia cantar Take it easy cada dos por tres, pero lo hacía porque entendía que había gente que llevaba años esperando oír esa canción en directo.

No sirvió de nada. La conversación acabó con Glenn diciéndole que si estaba cansado y no quería cantarla, que dejase el grupo directamente.

Llego uno de los conciertos de la gira y, con ello, el momento de la canción de Randy, que encima llegaba con unas cuantas copas de más, después de haber estado en una fiesta. Se negó otra vez más a cantar la canción; Glenn se lo pidió amablemente varias veces, pero fue imposible convencerlo.

Llegó un punto en el que la tensión era tan alta que hasta tuvo que intervenir la policía. Y fue cuando Randy hasta les gritó:

«Ni se os ocurra meteros, esto es personal, son nuestros putos problemas».

Y este fue el fin de Randy. Fue remplazado por Timothy B. Schmit., miembro de Poco.

Sexto disco: The Long Run, 1979

Durante la grabación de este disco las tensiones se agravaron aún más, hasta el punto de que el grupo se dividió en dos facciones: Don Felder —que veía a Glenn y a Don como tiranos dictadores— y Joe Walsh por un lado, Don Henley y Glenn Frey por otro.

La cocaína tampoco les ayudó a afrontar estos problemas y este disco fue el que llevó a su ruptura. Empezaron a abusar de ella y esto sacó lo peor de todos.

Llegó un punto que incluso hasta la relación entre Henley y Frey se empezaba a tambalear. Además, ya empezaban a estar cansados de giras y otras historias.

Entonces, la gota que colmó el vaso fue un acto benéfico de la banda para apoyar al senador Alan Cranston.

Para empezar, Don Felder no entendía lo de tocar gratis, además de que pasaba de la política. Pensaba que estaban tirando su caché al no cobrar por ello.

Cuando el senador les estaba dando las gracias a cada uno de los miembros, Felder soltó la puntilla que encendió la mecha de Glenn.

You’re welcome, Senator. I guess…

Frey lo oyó y enloqueció. Hasta el punto de que cuando subieron al escenario empezaron a tirarse pullas el uno al otro, delante de sus compañeros y de todo el público.

Obviamente, en el backstage se lio. Don Felder cogió la primera guitarra, la estampó contra la pared, cogió el coche y salió quemando rueda.

El pobre Timothy, que acababa a de llegar y se encontró todo el pastel, le preguntó a Glenn:

—¿Se acabó?

Y Glenn dijo: Sí.

Su última actuación fue el 31 de julio de 1980.

Se volvieron a reunir en 1994, el 25 de abril, en directo después de 14 años.

Pero eso es otra historia, y mucho menos interesante que esta, por eso lo voy a dejar aquí cerrando con una frase de Glenn Frey:

Nuestra intención era ser un grupo influyente de nuestra época, pero resultó que al ponerle tanto esfuerzo y pasión a lo que hacíamos acabamos siendo un grupo para todas las épocas.

Glenn Frey

Eagles, de su formación inicial hasta Hotel California

En el post anterior dejaba la historia de los Eagles en su formación inicial, con el objetivo del grupo de buscar una casa discográfica con la que grabar.

Pues bien, como conocían a Jackson Browne, que ya estaba firmado con David Geffen, se dirigieron a él. En aquel momento David Geffen era considerado el Medici del rock&roll, por todos los grupos y cantantes rock que llevaba para adelante.

El despegue de los Eagles

Y Geffen aceptó trabajar con ellos. No obstante, consideró que aún no estaban listos para grabar, y los mandó a Aspen (Colorado) para que se «buscasen a sí mismos» como grupo. Según Don, en aquel lugar de Aspen vieron a gente más fumada y drogada de lo que ellos habían estado nunca. Pero, por otro lado, allí fue también donde aprendieron a tocar como grupo.

Tocaban en un local llamado The Gallery.

Otra persona que al grupo se les había metido entre ceja y ceja era el productor Glyn Johns. Su nombre aparecía en todos los discos de los grupos que la banda admiraba —Led Zeppelin, The Who, los Beatles, los Rolling Stones…

Y también Glyn aceptó trabajar con ellos, pero con la condición de llevárselos a Londres para grabar. Condición con la que los Eagles fliparon: Iban a grabar en el mismo estudio que sus ídolos, Led Zeppelin o los Beatles.

Otra condición que puso, y que no fue tan apreciada por el grupo, fue la de nada de drogas ni alcohol en el estudio.

Gran parte de la culpa de esta regla la tenía Keith Richards. Glyn estaba harto de situaciones donde lo único que hacía con los Stones en el estudio era perder el tiempo.

Fue entonces cuando sacaron su primer single, Take it easy, un himno de calma y optimismo para una época de incertidumbre, reivindicaciones y cambios sociales —los 60/70 de Nixon y el movimiento de los Civil Rights en Estados Unidos.

Una canción que empezó a escribir Jackson Browne, pero fue incapaz de terminar; se quedaba siempre atrancado en la segunda estrofa. Ahí es cuando aparece Glenn y empieza a desarrollar el resto de la letra.

En ese momento, Gary Burden —pionero en lo que se refiere al arte de las portadas de los discos— se ofrece a acompañarlos en un viaje «espiritual», donde poder trabajar con ellos libres de distracciones.

Se van al Parque Nacional Joshua Tree, en California. Tequila, té de peyote, desierto… Se pusieron más ciegos que nunca.

Y así nació la portada del primer disco, inspirada en esta experiencia.

Tuvieron tanto éxito con el primer disco que hasta les daba miedo; la típica sensación de cuando algo te sale tan tan bien que piensas que algo malo va a pasar, o empiezas a plantearte por qué tú y no otro.

Segundo disco: Desperado, 1973

Un concept album, de temática western. Según Don, fue durante este disco cuando él y Glenn se convirtieron de verdad en una pareja de escritores de canciones. En concreto con canciones como Tequila Sunrise o Desperado.

Los Eagles en Seinfield

Hago un inciso aquí para comentar algo que me hizo mucha gracia: el protagonismo que tiene Desperado en un capítulo de Seinfield. Donde también, por cierto, hace un cameo Witchy Woman.

Si os pica la curiosidad, el capítulo es el séptimo de la temporada 8.

Volviendo a la historia de este segundo disco, lo de hacer un concept album vino inspirado por un libro sobre el Wild West —con historias sobre Bill Dalton o Bill Doolin— que le regalaron a Jackson Browne por su cumpleaños.

A partir del libro, ellos mismos continuaron la historia de sus protagonistas, imaginando —por ejemplo— cómo llegaron a convertirse en outlaws (personas fuera de la ley).

De hecho, en la portada aparecen ellos vestidos de vaqueros. En la parte de atrás aparecen en el suelo, muertos y atados de manos.

Tercer disco: On the Border, 1974

Durante los 70, en California se creó un movimiento, llamado 70 California Sound, donde todo el mundo artístico llegaba para triunfar: actores, cantantes, directores de cine, etc.

Una de estas personas fue el que después sería el manager definitivo de los Eagles, Irving Azoff.

Tras la gira después del segundo disco, llegan a Inglaterra para grabar con Glyn el tercero. Por aquel momento las tensiones con Glyn eran continuas, chocaban mucho y la banda empezaba a dudar del productor.

Quizá tampoco ayudó que Glyn quisiese seguir haciendo discos más orientados al country-rock, y el grupo quería hacer discos más cercanos a los de los Who o Led Zeppelin. A lo que Glyn les respondió una vez:

Vosotros no sois un grupo de rock, los Who son un grupo de rock.

Y esto puede que explique por qué los discos más rock del grupo son el tercero y el cuarto, ya que Glyn solo produjo dos canciones del tercero; del resto se encargó el productor Bill Szymczyk, un tipo que inicialmente trabajaba como técnico en sónares en la armada estadounidense, pero después —aprovechando la experiencia que le había dado este trabajo— se fue introduciendo poco a poco en el mundo musical hasta llegar a este punto —por ejemplo, produjo el primer disco de Joe Walsh, antes de que este entrase a formar parte de los Eagles,

Es el primer disco en el que interviene otro guitarrista importante de la banda, Don Felder, que era un conocido de Bernie Leadon.

Fue Glenn quien se dio cuenta de que necesitaban otro guitarrista más, al ver que en canciones rock el acompañamiento de Bernie con la guitarra era más country, y en las canciones country el acompañamiento de Glenn no era tan country. Vieron a Don como la solución perfecta para esto.

Cuarto disco: One of these nights, 1975

Aquí es donde las fricciones entre Bernie, que era más de country, y la banda, orientada ya más al rock, empiezan a hacerse más fuertes. Sobre todo entre Bernie y Glenn.

La gota que colmó el vaso fue cuando, un día en el estudio, Bernie se acercó a Glenn y le tiró una cerveza por encima, diciéndole «Tío, necesitas relajarte».

Entonces es cuando entra en escena Joe Walsh, con su Les Paul. Lo intercambian por Bernie y el grupo es ya definitivamente rock.

En cuanto a lo liante, Joe Walsh dejaba a Glenn en mantillas. De hecho, el ídolo en cuanto a comportamiento gamberro de Joe era Keith Moon, de The Who, un especialista en destrozos en hoteles y fuera de ellos.

Y lo voy a dejar aquí por esta semana, con la formación de la banda que sería casi la definitiva y a las puertas del quinto disco, Hotel California.

Los orígenes de Eagles

Antes de desvelar la canción que voy a traducir de este grupo, de hablar del disco donde está incluida y de la evolución de la banda, voy a contaros los orígenes de los dos miembros más importantes del grupo, Glenn Frey y Don Henley, que hicieron posible la existencia de los Eagles.

Para mí, Glenn Frey era el alma, la pasión y el descaro del grupo; por otro lado, Don Henley era la cabeza, la sensantez, el que compensaba la falta de autocontrol de Glenn. Dicho llanamente, Glenn era el «fiestas» y Don el responsable.

El primero, Glenn, nació y se crio en un pueblo de las afueras de Detroit; un Detroit que por aquella época era muy Motown, lo que constituyó parte de sus influencias. Con tan solo 5 años empezó a tocar el piano, hasta que a los 12 —cuando aparecieron los Beatles y su creciente interés por las chicas— dejó de tocarlo.

Fue entonces cuando su tío le lleva a un concierto de los Beatles. Alli, Glenn ve la reacción de las fans y piensa para sí: «Madre mía, yo quiero esto».

Justo ese mismo concierto es el que se encontraba viendo Don Henley en la tele del salón de sus padres. Un concierto que dice, le marcó de la misma forma que a Glenn.

Don creció en un pueblo de Texas. Desde pequeño sus padres le ponían música de todos los estilos —country, blues, western…—, por lo que tuvo influencias como Johnny Cash o Hank Williams. Este tipo de música la solía escuchar con su padre, en los viajes en coche, a través de la radio, en una emisora de Nueva Orleans, donde escuchó por primera vez a Elvis. De hecho, el primer disco de rock que se compró fue uno de este cantante.

Desde el colegio sus padres detectaron su manía de palmetear los libros imitando el ritmo de la batería. Lo que hoy en día habría provocado que a un niño como Don se le diagnosticara con TDHA, en aquella época provocó que su madre lo llevara a hora y media en coche para comprarle una batería —a pesar de que los recursos de sus padres eran limitados. Por lo que se puede decir que sus padres tiene gran parte del mérito en la creación del grupo.

Ya desde el instituo empieza a tocar en una banda de amigos.

Mientras tanto Glenn, gracias a su desparpajo —y a un par de cervezas—, siendo un pollo de primer año, llega a una fiesta de fin de curso en su instituto y les dice a los que están tocando: «¡Eh! ¿Os sabéis la de Satisfaction? Porque yo puedo cantarla».

Y así consigue ser el cantante de los Subterraneans, que era como se llamaba aquel grupo, y después de los Mushrooms.

Según el, lo más importante que le pasó en Detroit fue conocer a Bob Seger, quien de hecho lo acogió como su pupilo, y con frecuencia lo invitaba a sus sesiones de grabación para que viese cómo se hacía un disco. Fue su mentor. Dice de él que era un chico con mucho sentido del humor y muy ambicioso.

Bob fue el primer cantante que conoció Glenn que escribía sus propias canciones. Y tuvo gran parte de culpa en la formación de Glenn como compositor, ya que le dijo que sí iba en serio de verdad tenía que aprender a escribir sus propias canciones, a lo que Glenn le respondió: «¿Y sin son malas?».

«Serán malas, pero sigue escribiendo y escribiendo y llegará un momento en el que sean buenas».

Esta fue la respuesta que le dio Bob Seger

Cuando estaba a punto de grabar un disco con él, como bajista, su madre le pilló en el garaje de un amigo fumando y dijo «Hasta aquí hemos llegao».

Mientras Don, gracias a los esfuerzos de sus padres, entró en la Universidad y se matriculó en una carrera de Música. Y aunque suspendió el primer año, consiguió graduarse en Lengua Inglesa.

Ya en California, Glenn —que siempre quiso ir a LA— entra en otra banda, The 4 of Us, y conoce a John David Souther. Se crean sinergias entre los dos —según él porque los dos querían hacer música y fumar porros— y forman su propio grupo, que toca una mezcla de rock y country.

En otra parte del país, en 1968, Don se acerca una noche a Kenny Rogers y le dice: «Ey, tenemos un grupo y nos gustaría que vinieses a vernos tocar una noche». A lo que Kenny le responde: «Lo siento, no me suelo dedicar a estas cosas».

Pero Don insiste y le dice: «Deberías venir, creo que te gustaría vernos».

Y Kenny fue.

Y así fue como Kenny armó el grupo Shiloh —con el single más largo de la historia, Simple Little Down Home Rock & Roll Love Song For Rosie. Kenny se llevó la banda a California y empezaron a tocar en los locales de las pedanías de Los Ángeles.

Ciudad en la que, mientras tanto, Glenn y JD empezaron a entablar amistad con Jackson Browne, que les recomienda mudarse a Echo Park, un barrio residencial de LA, pero ubicado en pleno centro.

Como el alquiler no era barato, Jackson Browne —hábilmente— les propone mudarse a su bajo, con poco más que una tetera y un piano.

Y así es como Glenn aprende a componer canciones: escuchando los ruidos que Jackson Browne hacía en el bajo. Le despertaba el silbido de la tetera, silencio durante 10-20 minutos, que se rompía con el sonido de las teclas del piano.

Jackson repetía la primera estrofa hasta 20 veces; entonces se hacía el silencio de nuevo, se oía la tetera otra vez, y nuevamente el piano, para componer la segunda estrofa. Luego tocaba la primera y la segunda estrofa seguidas, las veces que hiciera falta; y después les sumaba el estribillo, y lo tocaba todo de un tirón varias veces, hasta que se quedaba contento con la canción.

Y justo en ese barrio residencial, en Echo Park, es donde se unen los caminos de nuestros dos protagonistas, Glenn y Don. Pertenecían a la misma discográfica.

Entonces empiezan a frecuentar un local de LA llamado Troubadour, donde los lunes había siempre una sesión abierta. En este local actuaron artistas como Carol King, Elton John o la más que más repercusión tuvo en su vida y sus carreras: Linda Ronstadt.

John Boylan, el manager de Linda, quería llevarse a Linda de gira y estaba buscando guitarristas para acompañarla. Entonces se acerca una noche a Glenn y le pregunta si está interesado. Esa misma noche Glenn le dice que sí y también que si le puede adelantar un poco de dinero —John le dio unos 50 dólares.

Además, Linda había escuchado a Don Henley en los Shiloh y Glenn se lo presenta a John, que accede a hacerle una audición. Como Don se sabía al dedillo todas las canciones de Linda, no tiene problemas para pasar la prueba.

Se van de gira, aprenden y se divierten un montón; y empieza a surgir tal sinergia entre Linda y ellos que John piensa en montar un supergrupo con los tres y más miembros.

Es entonces cuando Glenn le dice a Don que prefiere que los dos se monten un grupo por su cuenta; a lo que Don le responde que totalmente de acuerdo.

Linda y John, lejos de tomárselo mal, hasta les recomiendan un tercer miembro para la banda: Berni Leadon, que ya tocaba en grupos como los Flying Burritos Brothers.

Por otro lado, Glenn piensa en reclutar a Randy Meisner, dada su habilidad para llegar a los tonos agudos.

Estos eran los Eagles iniciales. El plan entonces era hablar con David Geffen para conseguir un contrato.

Y hasta aquí la historia de la formación. En la próxima publicación os contaré cómo fue evolucionando el grupo.

Por cierto, que todos estos detalles no los sé porque sea colega suyo —no soy tan viejo, aunque ojalá hubiese sido así—, sino porque he visto su documental autobiográfico titulado History Of The Eagles: The Story Of An American Band. Os lo recomiendo muchísimo; son tres horas, pero bien invertidas —otros usan esas tres horas para ver Ad Astra…

Johnny & Mary: Traducción

Lo sé, he vuelto a las andadas y he dejado el blog abandonado durante tres meses, pero es que la traducción de esta canción me ha dado bastante trabajo, y aparte tengo una vida y tal, jeje.

¡Ah! Y por si no lo sabéis ahora hago también podcasts de traducción de canciones. Tienen el mismo título que el blog, y los podéis encontrar en la página de TranslaStars, que es la plataforma a través de la cual los hago públicos: https://www.translastars.es/pages/podcast

Bueno, vamos al lío.

¿De qué va la canción?

El mito: Corre el rumor de que la canción trata sobre la relación matrimonial entre Adolf Hitler y Eva Braun; pero solo es eso, un rumor (uno muy jugoso, pero que nunca se llegó a contrastar). No obstante, sí que es cierto que Eva Braun fue tan infeliz como lo es la protagonista de la canción.

La explicación real: La da el propio Robert Palmer, diciendo que la escribió pensando en una tipología específica de político que conoció personalmente durante los años que vivió en Las Bahamas.

Habla de la superficialidad y la necesidad de atención de los propios políticos —en este caso, todos varones— y de sus esposas. Esposas que estaban cansadas de los juegos políticos de sus maridos, y de sus interminables obligaciones sociales como esposas, pero al mismo tiempo eran incapaces de renunciar a la vida de privilegios que llevaban, convirtiéndose así en sombras inertes detrás de sus maridos. De ahí el tedio, el aburrimiento y los problemas de autoestima de los que habla la canción.

Traducción propuesta

Johhny siempre ocupao*

Precisa del mundo para no

mirar dentro de sí

En busca de la certitud

Mary reza a Dios**

Sabe que John es así

*He escrito el participio así a propósito para que cuadre más con el sonido de la original.

**Semánticamente no tiene nada que ver, aunque sí que refleja las emociones que podría sentir una Mary cualquiera en este tipo de relación. Además, Dios cuadra bien con walls. Digo que refleja igualmente las emociones porque la Mary de la canción está en una relación donde no es feliz, pero al mismo tiempo es incapaz de salir de ella. ¿Cuántas mujeres no se divorcian por factores culturales, como por ejemplo la influencia de la religión? En tal situación, su única vía de escape es rezar para que Dios le de fuerzas para aguantar, o para que su marido deje de prestarle tanta atención a la política y empiece a pensar más en ella.

Johhny ve el mundo de hoy

falto de franqueza en sí 

Mary le dice que es peor que una mujer

Pero sigue con él

aunque le gustaría huir

Johnny promete aprender                 

de su cándida actitud            

Johnny vivirá sin correr        

cuando goce de quietud

Mary sin desfallecer

dice que será feliz así

Mary se cubre las espaldas              

No sabe qué pensar                          

Dice que él aún se                            

comporta como si tuviese                 

miedo de su traición

 sin consideración

Siempre ocupao

Johnny no sabe que hacer

para tratarla de convencer

Mary le menciona su

falta de mesura

Mary sin desfallecer

Sabe que John es así

Johhny siempre ocupao

Precisa del mundo para no

mirar dentro de sí

En busca de la certitud

Mary reza a Dios

Sabe que John es así

Johhny siempre ocupao

siempre ocupao

Esta vez la canción era mucho más interesante a nivel semántico o semiótico que a nivel de rima a musicalidad —aunque también la tiene, como ha quedado claro a la hora de adaptar la traducción.

A primera vista, si solo la escuchamos sin reparar en la letra, puede parecerte hasta alegre y desenfadada… Nada más lejos de la realidad. La historia de la canción es triste, y transmite dejadez y desidia.

Robert Palmer: Johnny & Mary

Sorprendentemente —no porque la canción sea mala, sino más bien por el público musical español en sí—, esta canción alcanzó el número 1 en las litas de España, allá por el año 1980… Aquellos años en los que el reggaetón y el trap aún no se habían propagado cual pandemia por el panorama musical español, snif… ¿Algún virus que pueda acabar con estos estilos en la sala?

Bueno, vuelvo al tema, que me encarnizo y al final acabo soltando un discurso nazi. Recordad, hay música para todos los gustos —así como hay gente que considera cerveza la Cruzcampo.

Como decía, la canción se grabó en 1980, en un estudio de las Bahamas, y pertenece al álbum Clues de Robert Palmer —dentro del cual, bajo mi punto de vista, no he encontrado otra canción con la misma calidad; el resto de disco me suena a canciones de The Police, pero poco logradas —como una cerveza tostada para gente que no le guste la tostada, Punta del Este, por ejemplo. Después de escuchar todo el disco le he perdido un poco de aprecio a mi estimado amigo —el que me ha pedido la traducción de la canción—, pero bueno, seguro que pronto se me pasa. No es un disco tan malo, no molesta escucharlo, pero no creo que lo haga una segunda vez. La canción en cuestión, sí, me gusta; de hecho, si tuviese que hacerme una playlist de este disco en Spotify la incluiría, junto con ninguna más.

Es una canción que han versionado muchos artistas: Placebo, Status Quo, Bryan Ferry, Tina Turner…

Aquí os dejo con la versión de Placebo, que fue tan bien acogida por la crítica como este disco por mí:

Robert Allen Palmer

Tras meses de rigurosa perseverancia escribiendo en el blog, el mes pasado volví a las andadas y lo dejé abandonado durante un mes… En parte porque ahora, además de escribir, he empezado también a hacer podcasts —gracias a la propuesta de TranslaStars, sin la cual no creo que me hubiese atrevido.

Bueno, dejo de contaros mi vida para informaros de cuál es el cantante que toca este mes. A propuesta de un amigo, que lo conoce más que yo, Robert Palmer, y su canción Johnny & Mary. Como siempre, en esta primera entrada, vamos a conocer un poco más sobre el autor.

Robert Allen Palmer nació en 1949, en Batley (Inglaterra). Además de ser compositor y cantante, también fue productor. Su relación con el mundo de la música empieza en los años 60 y dura cuatro décadas completas, durante las cuales recibiría numerosos premios por su carrera.

Desde ñiño recibió mucha influencia del blues, el soul y el jazz, y ya con 15 años se unió a su primer grupo, The Mandrakes, aunque su fama internacional no le llegó hasta los años 80, con el lanzamiento del disco Clues, que él mismo produjo —repetiría éxito después con Some Guys Have All the Luck.

Interrumpió su carrera en solitario para formar un supergrupo de música junto a Duran Duran y el batería de la banda Chic, al que llamaron The Power Station. Pero Palmer duraría muy poco en este grupo, puesto que enseguida lo dejó para continuar con su carrera en solitario, donde seguiría cosechando éxitos aún mayores, como el que tuvo con el disco Addicted to Love, por el que recibió varios premios tanto en Inglaterra como en Estados Unidos.

Xutos & Pontapés: Esta Cidade

¡Como he notado el cambio de idioma a la hora de adaptar la canción! Como es obvio, dada la similitud entre el portugués y el español, muchas partes de la canción han salido solas. Y como además la canción es corta (dura poco más de 2 minutos), digamos que la entrada va a quedar más corta de lo normal. Así que voy a aprovechar para daros un poco la chapa con mi «rollo lingüístico» —no lo suelo hacer, porque este blog es más para entreteneros que para calentaros la cabeza, pero por una vez no pasa nada; además tampoco es que tenga muchos followers que perder… :D.

Como ya he dicho, la primera estrofa de la canción ha salido prácticamente sola: métrica, sonoridad y significado han ido de la mano. Aun así, he tenido que pensar bastante el principio, dado lo mítico del comienzo de la canción —la traducción tenía que poder llevarte a ese momento emotivo original. He mantenido «ciudad» al final, aunque he estado buscando palabras que rimasen con ese –ade, pero no me ha convencido ninguna —y, por otro lado, tengo cosas que hacer, tampoco es que viva de este blog.

Que lo quiera que no quiera

Esta ciudad

Ha de ser una frontera

Y la verdad

Cada vez menos

Cada vez menos

Verdadera

Que lo quiera

Que no quiera

En medio de esta libertad

Hijos de puta

Sin razón

Y sin sentido

En una calle dura

desnuda, ruda y bruta

Lucho siempre en el otro bando de la lucha

La policía ya tiene mi nombre

Mi foto registrada lo primero

Porque yo no me entrego

Porque yo no me vendo

Ni por ideas

Ni por dinero

Es como soy y quiero ser siempre así

Un río que corre sin principio ni fin

El poder pudre al hombre normal

Está tratando librarse de mí

Librarse de mí

Sin duda, la segunda estrofa ha sido la que más trabajo me ha dado. Para empezar, «calle» y «rua» no cuadran sonoramente, por lo que he pensado que era mejor quitar «calle» del final de la frase para poner otra palabra que cuadrase más con «rua» y el resto de palabras de final de frase que dan a la canción la vocalidad que tiene («puta», «luta», «bruta»). Y como la canción original describe esa «rua», no me ha parecido mala idea añadir otro adjetivo más a la descripción que cumpliese con lo de arriba, de ahí viene la palabra «dura». Se pierde un poco a nivel semántico, pero lo de siempre, en esto de la traducción de canciones hay que buscar siempre un equilibrio entre todas las dimensiones que conforman la canción.

En cuanto a la última estrofa, he tenido que tener en cuenta que «ficheiro» en español no evoca lo mismo si hacemos una traducción literal. En portugués se está refiriendo al expediente/archivador, por eso no he mantenido «fichero» en español, aunque fuese perfecto a nivel de sonoridad. Y de ahí sale «primero». Respecto a «rendo», sí, lo fácil —y lo más fiel semánticamente— era traducirlo como «rindo», pero así se pierda la vocalidad, que se conserva con la elección de «entrego».

Y hasta aquí la chapa lingüística de hoy. Los que hayáis llegado hasta aquí, sin cerveza de por medio, ¿qué opináis?

Xutos & Pontapés: Circo de Feras

Bueno, en vista de la falta de sugerencias, esta vez he elegido yo la canción a traducir. Y aunque mis favoritas son Não Sou o Único, Circo de Feras o Homem de Leme, he elegido Esta Cidade porque para mí tiene una letra que refleja mucho el carácter punk y reivindicativo del grupo, y además tiene rimas con las que jugar.

Esta canción se encuentra en el sexto lugar de su tercer disco, Circo de Feras, que a su vez con los años se ha convertido en un disco emblemático del grupo. De hecho, en febrero de 2017, Antena 3 —no, la de Matías Prats no, la de la cadena portuguesa RTP— emitió una serie de podcasts para conmemorar su 30 aniversario, O meu pai fez o Circo de Feras, con la peculiaridad de que tenían como protagonista a los hijos de los componentes de la banda, que contaban con sus propias palabras cómo vivieron el lanzamiento y las repercusiones del disco —para los que sepáis portugués, aquí tenéis el enlace a los enlaces (desde la página no funciona directamente, pero si copiáis el texto entre comillas en otra ventana, funciona; acabo de comprobarlo).

En 2009 los lectores de Blitz Portugal eligieron Circo de Feras como mejor disco portugués de los 80.

Así que a finales de los not-so-cool-today ochenta, en 1987 —año en el que Reagan y Gorbachov firmarían el acuerdo que acabaría, en gran parte, con la Guerra Fría—, los Xutos lanzaban su primer disco internacional, un mes después de la entrada en el Rock & Roll Hall of Fame de la primera artista femenina: Aretha Franklin, la reina del soul.

En cuanto a la canción que nos ocupa, Esta Cidade —que el propio Zé Pedro incluyó en sus 16 canciones favoritas del grupo para un artículo de Blitz Portugal—, está inspirada en un poema de João Gentil, un poeta que acompañaba a Jorge Palma cuando este tocaba en Lisboa, y que Zé Pedro describió como «underground».

Fue Jorge quien me sugirió que leyese algo suyo e hiciese una canción para el grupo. A Tim le gustó la idea y yo me puse a trabajar en la idea.

No sé qué pensáis vosotros, pero yo creo que hay una magia especial cuando las canciones surgen en estos momentos de conexiones y encuentros espontáneos.

Xutos & Pontapés, símbolos del rock portugués

¡Buenas!

Esta vez me apetece traducir una canción de uno de los grandes del rock portugués: Xutos & Pontapés —pensaron en llamarse Beijinhos & Parabéns, pero menos mal… hubiera pegado menos que un rockero bailando salsa. Además, son mi grupo favorito de Portugal; gracias a ellos pude conocer toda la «movida portuguesa» del rock.

Dada la longevidad de su carrera, la calidad y lo rock de sus canciones se puede decir que son los Roling Stones portugueses —haters resoplando en 3, 2, 1…

Todo se forja en 1977, en el festival punk de Mont-de-Marsan (Francia); allí fue donde —mientras viajaban por Europa, cada uno por su lado, ya que aún no se conocían— se detuvieron Zé Pedro y Kalú, que luego serían dos de los miembros originales del grupo. Ambos regresaron a Portugal con el «germen» de este festival —y no lo digo por la higiene—, y fue entonces cuando Zé Pedro conoció a Os Faíscas, grupo pionero del punk-rock portugués. Les dejó el garaje de sus padres para los ensayos y es ahí donde empieza a surgir la magia: Zé Pedro, Zé Leonel y Paulo Borges —en aquel momento llamados Delirium Tremens— le hacen una audición a Kalú, que entra al grupo, a la vez que sale Borges y entra Tim —el grupo definitivo se completaría años después con João Cabeleira y Gui.

La sala Alunos de Apolo es testigo de su primera aparición en el escenario, el 13 de enero de 1979, acompañando a Os Faíscas en el cartel.

Foto extraída de fernandogasparbarros.wordpress.com

En 1981 lanzan Sémem, su primer single, y en 1985 —en vista de las trabas que les ponía la industria discográfica— deciden autoeditar su primer disco, Cerco, que se convierte en todo un éxito, tanto en sus conciertos como en las casas de todos los rockeros de Portugal. No obstante, su mayor éxito comercial lo consiguen con su tercer disco: Circo de Feras, con canciones tan emblemáticas como Contentores, Não Sou o Único o la que da nombre al disco.

Desde entonces apenas se han bajado del escenario, y ya son más de 40 años. Son un grupo que se caracteriza por la energía que transmiten en directo —aunque en los discos también suenan genial, por supuesto— y lo emblemáticas que son sus giras.

En cuanto a material más allá de los discos, disponen de una biografía oficial, Conta-me Histórias, una banda sonora que forma parte de la película Tentação —cuyo tema principal, Para Sempre, es uno de sus clásicos—, un DVD triple donde ellos mismos cuentan la historia del grupo, Ai A P*** da Minha Vida… ¡y hasta una línea de motos dedicada a los Xutos!

Si queréis saber más, y sabéis portugués o queréis practicarlo, aquí os dejo su página web (de hecho, esta entrada está basada en la biografía que hay en su web).